En este séptimo reto voy a analizar las obras y transcendencia social de distintos fotógrafos y fotógrafas que utilizaron la denuncia social como medio expresión.
Dorothea Lange
Nació en Hoboken, Nueva Jersey en 1895. Fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, sus fotografías humanistas sobre las terribles consecuencias de la "Gran Depresión" la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. Dorothea fue un ejemplo de superación en lo personal y en lo profesional, huyendo de los estereotipos de una época oscura que buscaba preservar el sueño americano por encima de cualquier cosa ocultando todo aquello que no interesaba.
He aquí una de sus obras:
Esta fotografía muestra a una madre sentada apoyada en su mano y codo y a dos niños (posiblemente sus hijos) escondidos detrás de los hombros de esta.
Es una foto realista y posada.
Esta fotografía está representada en blanco y negro, lo que le proporciona elegancia y además, profundidad al mensaje.
Utiliza la ley de la mirada, ella esta mirando hacia un lado y podemos percibir así el ahogo y asfixio de la foto y de la situación.
Está realizada desde un plano frontal y con un enfoque central dejándonos así sentir la foto desde una perspectiva más cercana.
La mujer muestra expresión de tristeza y cansancio. Por la postura de los hijos entendemos que están asustados. Y con el conjunto de todo esto podemos percibir el mensaje de que la madre“daría todo por sus hijos” y estos se sienten protegidos con ella.
Por la vestimenta e higiene de estos sabemos que viven en una situación de extrema pobreza tal y como es la época de “La Gran Depresión”.
Esta fotógrafa conseguía que sus fotografías fuesen estéticas pero no era su principal objetivo, ella realizó una denuncia social con esta foto.
Sebastião Salgado
Nació en Brasil en 1944 es un fotógrafo socio documental y fotorreportero.
Sus proyectos fotográficos han aparecidos en numerosas publicaciones y libros y ha recibido numerosos premios internacionales.
La fotografía de Sebãstiao es considerada humanitaria y social.
Aunque el no quería retratar realmente a los desfavorecidos sino mostrar la vida real y lo que el pensaba.
He aquí uno de ellos:
Esta fotografía muestra a una niña con la cara manchada de sangre y tierra.
Esta realizada desde un plano frontal y con un enfoque central. Es cierto que es ella la protagonista de la foto pero todo el fondo ayuda a entender el contexto.
Su ropa y estado muestran claramente el estado de miseria en el que se encuentra.
Es una foto emotiva, y esto lo consigue por la expresión de esta niña, está sonriendo. Esto hace que apele a nuestro sentimientos y que valoremos lo que tenemos ya que hasta estando en la peor situación puedes ser feliz. Además de poder transmitir la realidad, no la miseria en sí.
Sebastião también fotografiaba en en blanco y negro, ya que podía transmitir un mensaje mucho más profundo y además así era mucho más mas importante el mensaje que la propia estética, aunque es verdad que algunos afirmaron que Salgado convirtió la miseria en estética, es la miseria humana, la inseguridad y la incertidumbre transformadas en belleza visual.
Cristina García Rodero
Nació en Ciudad Real en 1949, es una fotógrafa miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Cristina recorrió la geografía española para documentar los rituales, las creencias y las costumbres religiosas arraigadas en cada localidad, huyendo de los tópicos de la España negra y de la ideal que el régimen franquista quería mostrar.
Una de sus fotografías fue:
En esta fotografía vemos el recorrido de 8 mujeres con una vestimenta religiosa que cargan en su espalda una cruz.
Es una foto realista y espontánea ya que ha sido realizada en el momento del acto.
Muestra una tradición antigua la cual no tiene mucha repercusión como pueden tener otras y este era el objetivo de Cristina, denunciar la pérdida de tradiciones y cultura.
Esta fotografía esta hecha desde un plano general en el que las mujeres son protagonistas y es por eso que el fondo es liso y no muestra nada mas allá de lo que es, un descampado.
Esta fotografía también esta realizada con la técnica blanco y negro, puesto que así la denuncia social es mucho mas intensa. Muestra un acto serio y profundo y es por ello que no es necesario mostrar los colores de esta.
El cielo nublado nos hace sentir mucho más intensa la foto e incluso sentir miedo, miedo a algo nuevo , a algo a lo que no estamos acostumbrados.
Kevin Carter
Nació en Sudáfrica en 1960 fue un reportero gráfico sudafricano, miembro del Bang-Bang club y que ganó un Pulitzer por una fotografía de una niña con buitre atrás.
Kevin fue un reportero que intentó mostrar la realidad tal y como es y que tras el impacto de ver un pais sufriendo tanta hambruna decidió captarlo y denunciarlo.
He aquí su fotografía más importante :
Esta fotografía muestra a una niña desnutrida encogida y tumbada en el suelo con un buitre atrás.
Esta fotografía es realista y espontánea y expuesta.
Utiliza un plano general para conseguir darle un sentido a la foto.
Por la postura de ella y la del buitre captamos que vive en una situación de extrema pobreza y que el buitre dispone a alimentarse de ella puesto a que está totalmente indefensa.
Su delgadez nos hace ver la hambruna que está sufriendo ese país.
Esta foto esta realizada en color y es por ello la grandeza de su impacto y realismo.
La imagen de la niña sudanesa y el buitre generó tal nivel de indignación en cuanto a la ética profesional del fotoperiodista que buena parte del público ignoró el sentido de su cruda metáfora.
Esta fotografía tuvo muchísimo impacto y repercusión y tras ello Carter pasó de reportero a fotógrafo de la naturaleza. Aún así Kevin se suicido con 33 años por el asesinato de su amigo y la brutal presión social que había provocado aquella fotografía.
Steve McCurry
Nació en Estados Unidos en 1950. Es un fotoperiodista estadounidense, mundialmente conocido por ser el autor de la fotografía La niña afgana.
El objetivo de Steve era contar la miseria humana de manera cercana, emotiva y directa al corazón de las personas. Sin disfrazarla de palabras u otros elementos. Tan solo a través de su mirada.
He aquí uno de sus proyectos:
Esta fotografía muestra a una niña con un manto rojo por encima.
Trata el factor humano de una forma real y posada.
La niña posee una mirada intensa e intimidante lo que nos hace poder sentir su situación de necesidad de ayuda. E incluso gracias a esta mirada nos produce la necesidad de ayudarle.
Independientemente de la dureza de la imágen , existe un alto grado de empatía con el espectador gracias a la mirada intensa de sus actores, el ángulo frontal de las imágenes o por el contexto en las que las enmarca él.
Todo esto despierta una profunda empatía con el espectador. Es una imagen cercana a pesar de la situación y de la distancia.
La ha realizado desde un primer plano y la imagen está color, esto le ayuda a que las imágenes sean puras, reales y sencillas.
La persona es protagonista de la imagen.
McCurry además de su capacidad fotográfica también ha sido capaz de sacar una sonrisa en situaciones tan complicadas como la de la guerra o la miseria, y convertir al personaje que tenemos enfrente en alguien cercano.
Esta trabajo me ha parecido muy interesante y además nos ha enseñado a todo lo que hay detrás de una fotografía de denuncia social, donde lo complicado no está en la estética sino en el mensaje que transmite. Hay que tener mucho tacto con este tipo de fotos ya que son impactantes y duras y muchas veces las personas no están preparadas para ver la realidad tal y como es.
Comentarios
Publicar un comentario